Pau Aguiló

ENGLISH VERSION:

At the core of my practice is the juxtaposition between the unchangeable dimensions of human experience: its contradictions, emotions, and ongoing search for meaning—and the fragmented, overstimulated pace of the hyperconnected world we inhabit.

To arrive at the final image, I filter an extensive lexicon of visual references and source material, sometimes automatically, guided by instinct, and at other times through deliberate effort toward a specific outcome. Through a process so disciplined it borders on the meditative, I allow my impulses, reason, and the painting itself to guide me toward what can be considered a finished piece.

Each painting constructs its own universe: with internal logic, unique symbols, and its own language, it generates images inhabited by characters with human forms or bodies in transformation. Though often dreamlike or surreal, these scenes are indirect and intimate representations of constant aspects of human experience; such as conflict, self-awareness, the need for connection, or our relationship with the environment.

My process begins with observation. I believe a powerful image can come from anywhere. I study images and painting in their most essential form: composition, color, line, and format. My visual and emotional archive is in constant expansion: a personal collection of artist catalogues from various periods and styles, cinema, photography, and ongoing visits to museums and galleries. Just as important are fleeting encounters—an object found in the street, a dream, a conversation, a line in a book, the news, or a personal story.

Drawing is the second step in this process. It serves both as a constant form of training and as a malleable, fertile medium where painting can take root. Whether starting from a clear conceptual framework or being led by raw creative impulse, drawing allows me to shape the unformed and think through making.

I am interested in observing reality and imagining alternatives, through the recreation of situations, emotions, and atmospheres. A constant tension between figure and landscape runs through my work, which can at times be ironic, unsettling, or fantastical.

I build scenes and landscapes that reflect and distort contemporary life, often emphasizing its contradictions through the metamorphosis of figures or environments. Other times, I simply explore the absurd or uncanny nature of the world. In both cases, I rely on a sense of deliberate strangeness that detaches elements from their original contexts and opens them up to new meanings.

At its core, my work is a kind of digestion: a way of filtering reality to make it bearable, reconfigurable, and shareable. Each image is born from this need, but ultimately, it does not belong to me. Once painted, it becomes open to multiple interpretations—open to the meanings others might project onto it. In this way, painting becomes a porous, shifting space where each viewer can find—or lose—their own reflection.

VERSIÓN EN ESPAÑOL

En el centro de mi práctica está la yuxtaposición entre los aspectos inmutables de la experiencia humana, sus contradicciones, sus emociones, su constante búsqueda de sentido, y el ritmo fragmentado y sobreestimulado del mundo hiperconectado en el que vivimos.

Para llegar a la imagen final, filtro un vasto léxico de referencias visuales y materiales de distintas fuentes: a veces de forma automática, guiada por la intuición; otras, con esfuerzo consciente hacia un resultado específico. En un proceso tan disciplinado que roza lo meditativo, dejo que mis impulsos, mi razón y la propia pintura me conduzcan hacia lo que puede considerarse una pieza terminada.

Cada pintura construye su propio universo: con lógica interna, símbolos y lenguaje propios, genera imágenes pobladas por personajes con formas humanas o cuerpos en metamorfosis. Aunque a menudo oníricos o casi surrealistas, estos escenarios son representaciones indirectas e íntimas de elementos constantes de la experiencia humana como el conflicto, la conciencia de uno mismo, la relación con el entorno o la necesidad de conectar.

Mi proceso parte de la observación. Creo que una imagen poderosa puede surgir de cualquier parte. Estudio imágenes y pinturas desde lo más esencial: composición, color, línea y formato. Mi archivo visual y emocional está en constante expansión: catálogos de artistas de diferentes épocas y estilos, cine, fotografía, visitas a museos y galerías, pero también encuentros fugaces: un objeto en la calle, un sueño, una conversación, una línea en un libro, las noticias o una historia personal.

El dibujo es el segundo paso dentro de este proceso. Funciona como herramienta de entrenamiento constante, pero también como un medio maleable y fértil en el que la pintura puede enraizar. Ya sea partiendo de un marco conceptual claro o guiándome por una pulsión más cruda y visceral, el dibujo me permite dar forma a lo informe, y pensar pintando.

Estoy interesada en observar la realidad e imaginar alternativas posibles, mediante la recreación de situaciones, emociones y atmósferas. La tensión entre figura y paisaje es constante en mi trabajo, que puede adoptar tintes irónicos, inquietantes o simplemente fantásticos.

Construyo escenas y paisajes que reflejan y distorsionan la vida contemporánea, acentuando sus contradicciones a través de la metamorfosis de figuras o entornos. En otras ocasiones, simplemente exploro lo absurdo o lo inquietante del mundo. En ambos casos, recurro a una extrañeza deliberada que desarraiga a los elementos de su origen y les permite adquirir nuevos sentidos.

En el fondo, mi obra es una digestión: una forma de filtrar la realidad para poder asimilarla, reconfigurarla y compartirla. Cada imagen nace de esa necesidad, pero no me pertenece del todo. Una vez pintada, queda abierta a múltiples interpretaciones, a los sentidos que otros quieran proyectar sobre ella. Así, la pintura se vuelve un espacio poroso y mutable, donde cada espectador puede encontrar o perder su propio reflejo.